Grizzly Bear / Yellow House

Grizzly Bear是紐約地下音樂圈另一則小小可愛的傳奇，剛開始是Edward Dorste這個小學老師的兒子窩在布魯客林區的公寓裡頭，花了十五個月的時間，用手提卡帶式錄音機錄下第一張專輯”Horn of Plenty”的所有歌曲，來自芝加哥的Christopher Bear這個從電腦電子音樂到Free Jazz都玩的音樂人則在原始的母帶上加了其他樂器和Vocal，這張原本Edward Dorste只是拿來送給朋友的專輯迅速地在紐約地下樂圈傳開，2004年發行後大量的演出，2005年又再重發雙CD的remix版本，參與remix的有Dntel、Solex等怪咖，2006年甚至又再重發了Edward Dorste最早的Demo版本”Sorry for the Delay”，一捲Demo可以有這麼這麼多的效用，可見這些創作的原創吸引力。
新專輯”Yellow House”則由電子Indie廠牌Warp簽下，仍舊維持原本acoustic樂器的post-rock演奏為核心，加上偶爾出現的弦樂和鍵盤，還有背景的ambient聲響和零星的電子節奏，組合成一種獨特的青澀感，好像第一次聽Belle & Sebastian 、Low，一個人的孤寂感又像Matthew Sweet，詩意隨性的樂器編排和質感則又像冰島Sigur Ros。相較於第一張專輯的lo-fi質感，這張錄音室專輯顯得明亮而溫暖，開頭第一首歌”Easier”以大量原聲樂器包括吉他、斑鳩琴、風琴和鼓刷組成一幅輕柔的都會田園寫生；”Kinfe”以迷濛的合音和輕刮的Overdrive吉他開場，大量效果製造的人聲合音，似近非近的電子樂器讓整個空間發出豐富而孤寂的聲響，最後零碎的鼓點和鋼琴讓這種非現實的孤寂感更加地延續；”Central and Remote”則像極了紐約版的Sigur Ros；”Marla”以弦樂和鋼琴低音配上僅有hi-hat的零星鼓點和ambient聲響，組成詭異的空間感。
這些音樂有著一個人的孤寂，但卻充分地傳達人與人之間透過藝術，將孤寂的情感連結在一起的可能性。

本文原載於Elvis雜誌

Beck / The Information

Beck 和兩組製作人的合作似乎出現電玩太空戰士系列的趨勢，兩組製作人都非常強盛，輪流完成風格迴異的作品，繼”Odelay”的製作人The Dust Brothers製作的2005年專輯”Guero”發行之後，由滾石評價滿分專輯”Sea Change”製作人Nigel Godrich操刀費時三年的”The Information”完成發行，這個製作人擅長處理細微的電氣聲響和變態想法，可是大名鼎鼎Radiohead ”OK Computer” 和 ”Kid A” 的製作人，有別於 ”Odelay”重質感的碎拍和Hip hop節奏，Nigel Godrich將Beck的拼貼處理得像是迷幻/後民謠風格，再將細微的電氣聲響和迷幻吉他在乾淨溫暖的bass line上堆砌，讓”Odelay”雅痞urban 味道的Beck，化身為內斂精緻的嬉痞鬼才，有時候又將trip-hop元素處理的像”Blue line”時期有Tricky的Massive attack，相較於”Odelay”，我個人是比較偏好跟Nigel Godrich這樣的合作組合的風格，他讓我能夠在比較輕鬆沒有情緒之下能夠細細品味Beck所賦予音樂的樂趣。
這張專輯可以說是集合Beck以往作品的精華，儘管沒有”Sea Change”令人驚艷的感覺，但是清楚澄澈的Beck在這張專輯裡頭紮紮實實地展現，無論是”Odelay”風格的”Think I’m in love”，戲謔式的拼貼Hip-hop”Cellphone’s Dead”，Neil Young式的民謠搖滾”Strange Apparition”，聲音多到滿出來的The Clash式的龐克搖滾”Nausea”，Radiohead式的民謠電子”New Round”，再加上Tricky風的triphop ” Dark Star”、”We Dance alone”，電子民謠風格的小品”Movie Theme”，長達十分鐘的trip hop 拼貼演出” The Horrible Fanfare / Landslide / Exoskeleton”，”Inside Out”則以八○電子風的舞曲作為結尾曲…每首歌都能鮮明表現他自己的生命。
在網路音樂平台上聽完這張專輯，卻好像少了一點樂趣，這張專輯封面被設計成方格紙的樣子，讓你可以自己塗鴉，不過誰會去畫? 還是裡面附的DVD比較實際，現在大家好像都來這招，上街去買一張吧。

本文原載於Elvis雜誌

Yo La Tengo / I am not afraid of you and I will beat your ass

很高興Yo La Tengo結束了他們冒險的旅程，回到溫暖的家中， 當音響播出第一首歌” Pass The Hatchet, I Think I'm Goodkind”我的感覺就是這樣了，Ira Kaplan長篇大論，喋喋不休的吉他噪音，連續響了十分多鐘，Jame McNew的貝斯Riff也不斷重複地把你帶進無限的迴圈理，甜美的迷幻噪音讓人很自然地想起Yo La Tengo的經典專輯”I Can Hear the Heart Beating as One”，不同的是， 這個美國地下搖滾的傳奇樂團，在這張專輯裡頭不再有以往的羞澀，無論是迷幻、甜美、張狂、內斂、實驗冒險…這個三人團體在二十年的合作歷程所焠鍊的默契和技巧，還有永遠探索的赤子之心，毫無保留地自信呈現在這張專輯裡，相對於前兩張專輯，”And then nothing turned itself inside-out”暮然回首的內斂，以及“Summer sun”對於以異於搖滾樂質感對於搖滾樂本質的探索，從”I Can Hear the Heart Beating as One”之後對於各深層的Yo La Tengo在哪裡的尋求之旅終於結束，帶著自信和旅行焠鍊的心得重返三人堆砌可愛溫暖的家。
專輯甫一結束開場的” Pass The Hatchet, I Think I'm Goodkind”的狂氣吉他音牆，”Beanbag Chair”是以鍵盤彈奏加上小喇叭還有Ira Kaplan喃喃唱腔的可愛小品，Georgia羞赧的合音，還是讓人腦海裡浮現在數年前來台接受訪問時的鄰居模樣。”The Room Get Heavy”有著好聽的手鼓配上六、七十年代前衛搖滾式的鍵盤音色，像是對前輩致敬的作品。演奏曲”Daphnia”以鋼琴配上Delay+Tremolo效果的吉他，彷彿在營火旁沈靜地訴說年輕時的悸動。緊接著四首YLT熟悉味道的三、四分鐘獨立情調的搖滾歌曲，帶著相較於以往更多鮮明清晰的演奏跟音色。結尾曲”The Story of Yo La Tengo”則歡迎你到家中作客，慢慢地說著YLT獨有的故事，溫暖、喧鬧而魔幻，讓你在甜蜜中入睡，同時歡迎你永遠住下來。

本文原載於Elvis雜誌

TV on the Radio / Return to Cookie Mountain

由Interscope發行的TV on the Radio 第二張正式的專輯，歐洲地區讓英國indie名廠4AD發行，這個布魯克林區的樂團融合了後龐克和電子的骨幹，加入了很多高暴性的元素，大辣辣談論著社會、政治等嚴肅的議題。核心人物主唱Tunde Adebimpe和樂手兼製作人David Andrew Siteck都是學習和從事影像工作的藝術家，在布魯克林的公寓因為前後任房客的關係認識之後，原本都是單獨創作的臥室音樂家，了解彼此後深覺必須依賴彼此才能創造他們心目中理想的音樂。2001年樂團組成後，豐富的創作力和爆發力便讓他們忙得不可開交，首先發行自製的專輯，隨後單曲”Young Liars”的成功，2003年幫The Fall演唱會開場，2004年發行首張完整專輯”Desperate Youth, Blood Thirsty Babes”之後，包括參與The Pixies和The Faint的暖場都不能消耗他們無窮的精力，除了大受好評的單曲”New Health Rock”發行之外，2005年更在網路上發表了對布希大批特批的Mp3單曲“Dry Drunk Emperor”，隨即在今年便發行了這張 “Return to Cookie Mountain”。
開頭第一首歌”I was a lover”以簡單的hip hop節奏開始，卻逐步加入四四拍的搖滾吉他和鼓點，零散的器樂聲響和節奏藍調合音，在詭異的結構下，進行著艱難的試驗。不要被TV on the Radio這樣的舉動嚇到了，他們擅長的不僅是集結各種黑白人流行音樂元素到原本的搖滾樂曲式裡面，更能以一種充滿精力的社會批判方式，戲謔、嘲諷、深刻而激烈地將所有關心的事物，放進這些妙趣橫生的歌曲結構裡。無論是”Hours” Stereolab 式的趣味跳躍拼貼，”Province”樂器部份彷彿Massive Attack遇上Coldplay，還有David Bowie的合音加持，聽起來式整張專輯最溫柔的部份，而“Let the Devil in”整個結構則像是Mogwai版的 ”We will Rock you”，在post-rock的氣氛裡，眾人激憤地訴說。
無法歸類TV on the Radio，只能希望他們豐富的創作動力能夠多維持幾年，讓我們看看紐約的活力。

本文原載於Elvis雜誌

ELVIS HAPPY ENDING-我們都是外星人

給親愛的貓王雜誌和所有的外星人們：
儘管我不懂得道別，儘管也許不需要道別，因為我知道你們都會繼續在地球的某個角落做著有趣的事情，但是貓王雜誌的消失，的確又代表外星勢力的另一個挫敗。
在加入貓王雜誌幫短短的幾個月裡，貓王雜誌讓我們這些迷失在這個地球的外星人有了一些連結，讓音樂雜誌極度貧乏，以後也許更貧乏的台灣，有了那麼一點可能性，說實話至少有人看著我那不知從哪個星球飄來的文字，我就得到安慰了，更不要說讓我們這些需要靠音樂文字吃飯，這幾年差點餓死在街頭的貧苦外星人，在唱片出版業風雨飄搖的時候仍然發稿費給我們。
對我來說貓王是屬於人（外星人）的雜誌，就跟幾年前我在編另外一本外星雜誌”搖滾客”的的時候一樣，他是一本給有味的人看的，因為有味的人才能產生，也服務有味的人的雜誌。不知道怎麼跟這本雜誌（而不是這批人）道別，單純希望他在道別派對的時候除了生冷的現代印刷和電腦字體之外，有些(外星)人味，所以把貓王雜誌墊在下面，翻箱倒櫃找出不曉得遺失在哪的彩色鉛筆，在紙上開始手繪起外星人，將這兩張卡片寄給貓王雜誌，心裡默默的期盼貓王雜誌秉持著來稿照登的精神，不要嫌棄我畫的幼稚圖。
最後的這一刻，我只能跟編輯和讀者們鞠躬，對於你們能夠欣賞並加入外星聚落的精神，感激而欽佩

Kingkiang
在貓王回歸星球後，地球時間二十九年三個月又十一天

末代文藝青年的老靈魂 -馬世芳的地下鄉愁藍調

常有人提到文藝青年，也有人試圖稱呼我為文藝青年，但我總是直覺的脫口而出說︰「馬世芳才是最後一個末代文藝青年，而我頂多是文藝青年的熱情燃燒後剩下的渣渣」，自從認識馬世芳以來，我從來沒有認真思考過我這樣的講法有沒有問題，但對我來講直覺上就是，根本不需要懷疑，就像書腰上詹宏志先生寫的一樣，”馬世芳彷彿是一個老靈魂裝錯了青春的身體”，馬世芳的文字是我周圍的朋友當中唯一僅見那麼地重視中文字詞精準、標點正確、文法通達的作者…甚至讓人覺得，這個人搞不好連賦格之類得問題都考慮進去。他就像父親甚至祖父級的作家，用正確、字字斟酌的中文，描寫著我們這一代周遭僅存的一些上一代的美好。

前兩天下班後在信箱裡發現了一個小包裹，用著直式標準的黃色信封，上頭用工整的毛筆字寫著姓名住址，連阿拉伯數字都轉成中文的寫法，有著一股令人懷念的守舊，將裡頭的書拿出，聶永真的設計就像融進馬世芳這個人本身一樣，讓人驚呼這就是馬世芳的書，封面書腰上的滾石雜誌，書名字體的設計方式，還有紙質和書的味道，彷彿將我直接拉回九○年代初期台大的場景，滿坑滿谷的校園刊物裡面，有一份總是最搶眼，也被當年同時在校園裡面的濁水溪公社拿來當文本挑戰攻擊的校園刊物「台大人文報」。

翻開書，馬世芳的字工工整整地直式寫著:

「鏗彰兄雅正：

青春不再，餘燼猶溫

馬世芳

二○○六．十一」

就是這股青春的餘溫，在我的胸中翻騰，在剛寫完”Elvis”雜誌最後一期的告別稿之後，正提筆（其實是拿出iBook)想要寫T-Mag同樣最後一期的稿子時，這樣的情緒，就當作是音樂文字從實體印刷雜誌消失的紀念吧。

跟很多人一樣，從馬世芳在建中青年裡面寫披頭四開始，就從文字認識了這個老靈魂，在中廣青春網裡長篇大論地介紹老搖滾的的聲音是後來才認識的，高中剛畢業時在忘了是什麼的狀況下還曾經寫信給他，還把名字寫錯了，上大學後藉口採訪去馬世芳房間作客時還被嘲弄一番。大我三歲的馬世芳在我進大學的那年剛好畢業，濁水溪公社也正好是被退學當兵的時候，不曉得是秉持著濁水溪精神或者是真的喜歡文藝，我也就莫名其妙的進了台大人文報社，那時剛畢業的馬世芳跟學長姐們一起完成的「台灣流行音樂百張最佳專輯」一書，我看著他們在校稿印刷，拿著前面幾期馬世芳編的人文報，也跟著文藝青年的腳步，想要抓住那麼一點尾巴，但始終沒有成功。1995年馬世芳退伍後，他和幾個學長姐，大概是認為我對流行音樂有興趣吧，剛出車禍的暑假中，就找我一起編《永遠的未央歌：現代民歌/校園歌曲20年紀念冊》，那時候總是深夜在馬世芳家裡開會，所以我們戲稱為「熊貓洗臉工作室」，我也是當時才有機會見到他的父母亮軒和陶曉清女士。那段日子裡，我在市圖翻著剪報找尋從李雙澤淡江事件後台灣歷史上的大事，訪問了很多我現在都想不大起來的民歌時代的歌手、製作人，這是我參與過最後一次完完全全有著濃厚末代文藝味道的編輯工作，我也用這次賺到的稿費，請在美國的姊姊，幫我帶了我生平第一把Gibson Les Paul的二手電吉他。

時間又過了這些年，大家談得話題不一樣了，和馬世芳有聯繫也是斷斷續續，一起編書的SY學長過世的消息也是在隔很久才得知，從馬世芳的字裡行間，我仍然發覺這些青春的記憶的確是深深地烙印在我的心裡的，翻開後，是那麼地真實而深刻，並且如排山倒海地湧現。在馬世芳和孟朮的婚禮上，我跟陳珊妮、林盟山和阿凱同一桌，儘管我們打打鬧鬧地嘲弄馬世芳和家裡長輩們的文藝腔，說我們這桌是搖滾敗類，台上民歌時代的老前輩寶刀未老地為婚禮獻唱，其實我心裡面著實地祝福馬世芳能永遠保有這樣完好的老靈魂和這麼完美的家庭。

最近常在跟馬世芳聊天，他說他自己的長處是可以銜接上一代的美好，留下來給我們這一代甚至下一代，我百分之百同意他的講法，也覺得他是這時代最適合的人選，而我很慶幸我們生在七○年代初期的這一輩不是無聲的，至少馬世芳是那麼的鮮明，而我們也都默默地做著屬於我們該做的事情，不在乎環境，不在乎上一輩的壓力、下一代的疏離。馬世芳的地下鄉愁藍調代表著對過去美好日子的鄉愁，其實也代表著曾經用力刻畫的青春，書中他描述在John Lennon過世十週年時在校園裡面貼著傳單，嘗試要大家記住，而我在Kurt Cobain自殺的隔日也在校園裡面貼滿了嘲諷唱片工業又要大賺一筆的傳單，也一語成籤，這些共同的背景，不同的人們觀察的事件，馬世芳的記憶透過他的文字，將青春血淋淋的呈現，無論你喜不喜歡搖滾樂，你都該去看看這個年輕一輩的作者裡面，真正嚴謹的寫作方式，這些的文字會重重地擊在你的胸口。

希望馬世芳能夠記錄更多屬於這個年代的美好，同時也會留下更多。

*本文即將刊載於t-mag休刊最後一期2006年12月號
**關於地下鄉愁藍調，可以到馬世芳的部落格去觀看一系列進度報告

藥物 v.s. 音樂（六）安非他命

安非他命、甲基安非他命，以“麥斯”(meth)、“快速丸”(speed)、“冰”(ice)等不同形態的俗名在街頭銷售，屬中樞神經興奮劑，使用者於初用時會有提神、振奮、欣快感、自信、滿足感等效果，長期使用會造成如妄想型精神分裂症之安非他命精神病，症狀包括猜忌、多疑、妄想、情緒不穩、易怒、幻覺、強迫重覆性的行為及睡眠障礙等，也常伴有自殘、暴力攻擊行為等。在音樂上沒有特別顯著的表現，一些龐克、和金屬樂團使用它來提升表演時的興奮和刺激。

安非他命 ( Speed) 專輯：

The Clash – London Calling
發行年份：1979
不只是龐克，這張專輯肯定是整個搖滾樂歷史的重要專輯之一，出現在龐克運動的中後期，London Calling清楚的告訴大家，龐克不只是龐克，以龐克運動的意識貫穿其他音樂形式，讓龐克精神得以延伸到之後的發展。






Joy Division – Closer
發行年份：1980
這是在Ian Curtis上吊自殺後才發行的專輯，嚴格說起來他比Unknown Pleasures更加的灰暗、沮喪，並向更深層的領域邁進，雖然不能直接把他跟用藥物使用經驗畫上等號，但Joy Division所代表的Post-punk，曾經讓整個時代黯然無光，撼動無數慘綠少年的心。




Sex Pistols – Never mind the Bollocks
發行年份：1977
Sex Pistol這支史上最髒、最具破壞威力的樂團，用這張專輯開啟了龐克風潮，很難說他們跟哪些藥物扯上關係，但安非他命的興奮感和副作用的暴躁、易怒…等特質，的確很適合用在龐克們的身上。






The Fall – Hex Enducation hour
發行年份：1982
在70年末期成軍的這支長壽後龐克樂團，同時也是開啟日後Alternative / Indie Rock的重要樂團，主唱Mark E. Smith儘管惡名昭彰，出名的難相處合作，但也是影響開啟日後另類搖滾的主要人物。






Lou Reed – Transformer
發行年份：1972
David Bowie從不諱言自己受到Lou Reed的影響，這是Lou Reed的個人第二張專輯，同時也是Glam Rock的重要專輯，看和聽都沒辦法發覺這張專輯跟安非他命的關聯，但據資料Lou Reed在這張專輯到下張專輯”Berlin”這段時間，相當依賴Speed。






Motorhead – Motorhead
發行年份：1977
這是Motorhead首張發行的專輯，有別當時的Hard Rock樂團，Motorhead創造了一種更快速、更直接的樂種，難怪龐克也相當喜歡，但是長髮皮褲的金屬形象才是他們的本色。

藥物 v.s. 音樂（五）快樂丸

快樂丸 ( ECSTASY)學名MDMA，小名E或Adam，由於藥丸有各種樣式色彩，所以衍生出更多的別名，使用後會讓敵人變朋友，提升對正面情感的感受，感官變敏銳、心跳加快，需要水分，但有可能因此失去對其他藥物的戒心，以及對意外的警覺心，藥效過後也容易產生沮喪、情緒低落的現象。整個90年代後期的舞廳文化，幾乎就是由快樂丸所改寫的。

快樂丸 ( ECSTASY) 專輯：

Happy Monday - Bummed
發行年份：1989
Shaun Ryder是幾乎什麼都試過的重度藥物使用者，Happy Monday這張早期的專輯，雖然加入了舞曲節奏，在很難聽出他跟E的關係，直到Vince Clark幫”Wrote for Luck”作remix之後，舞客們才意識到由搖滾樂淬練的舞曲革命時代來臨，Happy Monday也開啟他們化學藥物的新世代。





The Beloved – Happiness
發行年份：1989
Jon Marsh 1987年在紐約第一次試過E之後，就爆發出了這專輯的想法，這是一張完全預示E的時代即將到來的專輯，無論是歌名和歌詞都描繪出之後電音世代rave和E場景的輪廓。







Primal Scream – Screamadelica
發行年份：1991
無論是歌詞的描述、不斷重複的編曲方式，快速的節奏，Primal Scream這張專輯完全就是描繪E的使用，很難想像，一個搖滾樂團，成功地將當時Acid House、Techno、Rave Culture，這些地下文化帶到主流音樂的場域。






Chemical Brothers – Surrender
發行年份：1999
身為引領整個Beat風潮的標竿，Chemical Brothers這張專輯回歸以舞廳為基礎，奇怪的是更多的trance元素和在加上迷幻聲響，節奏也不快，似乎不是E主要會引發的的效應，這張專輯可以整張播放，就是一個完整的rave DJ set。






New Order – Technique
發行年份：1989
這是第一張英國post-acid house的經典之作，跟The Beloved 的Happiness互相呼應，New Order永遠是引領風騷最棒的樂隊，不斷創造影響著未來舞廳文化的風潮，又緊緊抓住另類搖滾的群眾，大批位移，這張專輯又是另一個證明。






The Verve – A Northern Soul
發行年份：1995
這是英國Brit-pop裡最為大家所熟知的關於E的故事，The Verve的第二張專輯「A Northern Soul」是完全在E的影響下錄製的，發行後三個月主唱Richard Ashcroft便離開造成樂團解散，Richard Ashcroft不久之後又回來重組，但吉他手Nick McCabe拒絕回團，少了可以製造大片好聽迷幻音牆的Nick McCabe，1997年的Urban Hymns反而獲得巨大的商業成功。




V.A-Trance Nation Volume One
發行年份：1999
Ministry是90年代末期將地下的E文化變成完整的主流消費文化最重要的場地，代表著Mitsubishi這種藥丸向整個國家散播的爆發力，這合輯收錄了這個場地最尖端、最時尚、最具消費力的舞曲。







Missy Elliott –Miss E… So Addictive
發行年份：2001
E所製造的舞曲文化已經席捲所有的舞廳場域，包括Urban、Rap、RNB，從這張專輯的名稱和封面大大的Miss E，還把E圈起來，便不難看出和E扯上的關係，毫無疑問的，E已經完全的消費化了。

藥物 v.s. 音樂（四）大麻

Marijuana和Cannabis是比較正式的名稱，俗稱Pot、Weed、Skunk…，是歷史相當悠久的古老藥物，但有人甚至不認為他是藥物，使用後身心鬆弛，時間感變緩，知覺變的相當敏銳，容易進入冥思的狀態，可以讓人穩定或進入接近禪定的狀態，但不是幻覺劑。唯一的副作用是造成工作效率低落，或者在Stone狀態開車容易引起事故。據信，美國曾經使用過大麻的人口比例相當高，連柯林頓都承認自己曾經用過。

大麻 ( Marijuana ) 專輯：

Peter Tosh - Legalize It
發行年份：1976
Peter Tosh離開the Wailers，脫離Bob Marley陰影的第一張個人專輯，從封面Peter Tosh隻身坐在大麻田裡就不難看出這張專輯和大麻的關係，應該說整個雷鬼樂都和大麻脫離不了關係，而這張正是雷鬼+大麻最好的專輯，無論你想瞭解的是雷鬼或大麻。讓他合法，就是這張專輯最大的訴求，也讓他成為大麻音樂的最佳代言。





Black Crowes - The Southern Harmony and Musical Companion
發行年份：1992
Chris Robinson聲稱他拒絕純大麻草之外的任何大麻煙，這個南方搖滾樂團在音樂上繼承Rolling Stone和Led Zeppelin的血統，這張專輯最後一首歌翻唱Bob Marley的”Time will tell”，也表示他們身上留著大麻的血統。






Massive Attack Vs. Mad Professor – No Protection
發行年份：1995
No protection是Massive Attack專輯”Protection”的dub remix版本,，由最鬼才的dub reggae 製作人 Lee "Scratch" Perry操刀混音，黑人trip-hop+dub雷鬼，這完全的就是一張給Stone的人用的專輯，也是到目前為止無庸置疑的最佳大麻創作和使用專輯。






Dr Dre – The Chronic
發行年份：1992
有別於一般西岸饒舌，這張專輯多了很多味道，包含大麻味，混合著funk和嬉痞的血統，不再是那麼的粗魯，而且也相當的適合stone，尤其是清楚的bass line，連不喜歡饒舌的大麻使用者，也相當愛。






George Michael – Older
發行年份：1996
在跟唱片公司長期打官司的過程中，很多流行巨星選擇了毒品和酒精，但George Michael在這段時間選擇大麻，並用大麻創造了這張專輯，儘管評價不高，也很難看出大麻直接的關係。







The Beatles – Rubber Soul
發行年份：1965
Beatles在這個時期偏向於民謠搖滾的創作，明顯受到Bob Dylan和The Byrds的影響，也開始延伸樂器使用的範圍，像”Norwegian Wood”，和” Michelle"，平靜而帶有東方色彩的演奏，加上帶點禪味的歌詞內容，相當符合大麻的味。






Bob Marley - Rastaman Vibration
發行年份：1976
這是Bob Marley最具代表性的專輯之一，在Natty Dread專輯成功後，”No woman no cry”，成為雷鬼不變永恆的代表歌曲，結束巡迴後，這位在倫敦成為雷鬼世代象徵的大人物回到牙買加，錄製了這張專輯。






The Clash – Sandinista!
發行年份：1980
在發行了London calling之後，The Clash做的已經比龐克能做的更多，隨後發行的這張3CD專輯Sandinista!，The clash更證明他們也可以做Dub、福音、雷鬼、兒童合唱、饒舌、節奏藍調，儘管各方評價不佳，但清楚花俏的bass line貫穿各種曲式，和抖動的各種高音頻，似乎可以嗅出大麻味。





Bob Dylan – Blonde on Blonde
發行年份：1966
這是Bob Dylan在搖滾時期的巔峰之作，不但創造了多首經典歌曲，漂亮獨特的吉他riff，嚴謹的歌曲結構，天才洋溢喋喋不休的歌詞，完美的將藍調、民謠鄉村、搖滾樂元素展現無疑。







Miles Davis – Bitches Brew
發行年份：1966
Miles Davis在60年代錄製過幾張怪專輯，這張是其中的代表作，有著巫毒異教的味道和魔幻的封面，這是歷史上最難理解的幾張Fusion專輯之一，這時期Miles Davis應該已經戒除海洛因的毒癮，不知道大麻在擴展心靈的層次對他有多大幫助。






Air – Moon Safari
發行年份：1998
來自法國的電子樂二人組Air，首張專輯便震驚天下，堪稱Ambient Pop的代表作，電器聲響+搖滾曲式，無可挑剔的舒服Ambient聲響。要問大麻對他們的影響，可以看一下他們的MV和紀錄片。







The Doors – The doors
發行年份：1967
跟隨這道門進入的旅程，本身就是一場大麻的經驗，詩、冥想、搖滾…，就進入這道門吧。

藥物 v.s. 音樂（三）LSD

LSD 俗稱Acid，整個6、70年代的搖滾樂史和嬉痞文化，幾乎就是LSD寫成的歷史，1938年Albert Hofmann 在無意間合成出來，五年後自己第一次使用，1950年代開始有正式的研究報告，1960年Timothy Leady將之帶入哈佛校園正式研究，與反戰結合，堂而皇之進入街頭成為花與心靈的橋樑，開啟了整個迷幻世代，1966年開始列為違禁品管制。使用時產生的幻覺經驗，靈魂出俏感，再加上不斷出現的”拙火”體驗報告，以及停止使用後仍會出現的”Flashback”效應，由於這些極端的幻覺經驗，會造成使用者無法控制自己的情緒或造成精神錯亂，成為禁止使用的強烈理由，但LSD與心靈關係的研究從沒間斷過，

LSD (Acid) 專輯：

Love – Forever Changes
發行年份：1967
Love的靈魂人物Arthur Lee 對於海洛因和LSD同樣的依賴，不過確定的是這張專輯是最完美的LSD代表專輯，60年代民謠搖滾和迷幻融合的代表作，也是整個搖滾史上重要的經典專輯，有機地組合各種音樂元素，加上Lee微顫的歌聲，天馬行空的歌詞內容，將LSD的經驗表達無疑。Lee很難再複現出這張專輯的經驗，也許LSD已經完全抽出他的才華，之後幾乎沒有作品。




Beatles – Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band
發行年份：1967
據記載，這張專輯製作時John Lennon沉溺於研究Timothy Leady的書”The Psychedelic Experience”，Paul 和 John常陷入迷幻狀態，製作人George Martin常在錄音室跟他們爭吵。無疑地，這張專輯所創造的精神虛構世界，是LSD帶來的，也是整個迷幻世代的中心。





Pink Floyd - Piper at the Gates of Dawn
發行年份：1967
有人說過這是Pink Floyd 唯一的一張專輯，理由是主唱兼吉他手Syd Barrett 在發行這張充滿LSD童話和幻想的專輯後便離團，發行兩張個人專輯後，便因為精神和藥物問題與世隔絕，直到今年七月糖尿病過世，享年60歲。這張和Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band同時在隔壁錄音室錄製的專輯，成為Syd Barrett與這世界重要的連結。




Beach Boys – Pet Sounds
發行年份：1966
如果說Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band是整個迷幻世代的中心，便不能不提與Beatles 在美國互相呼應的Beach Boys，而The Beatles也坦言Sgt. Pepper’s受到這張Pet Sounds的啟發甚大。這個時期Brain Wilson的大麻和LSD的使用影響了他的判斷，讓他和其他團員之間產生嫌隙，但無疑地，這是Beach Boys最好的專輯，在流行音樂和實驗前衛之間取得完美的平衡。




Grateful Dead – Anthem of The sun
發行年份：1968
說到整個迷幻世代的代表樂團，就不能不提在美國西岸灣區的Grateful Dead，一直到1995年解散，他們堅持傳達的愛、和平和心靈超越，透過音樂和演出影響了無數的人心，可以說是迷幻世代的最佳發言人。這張專輯發行於LSD爆炸的年代，自由、開放的演奏和現場表演形式，也成為他們參與迷幻世代形成的重要作品。





Jefferson Airplane – Surrealistic Pillow
發行年份：1967
舊金山地區嬉痞運動裡面，另外一支代表性的樂團非Jefferson Airplane莫屬，在這張專輯加入與Janis Joplin以火與冰並稱的女主唱Grace Slick，將Jefferson Airplane的演唱事業攀上巔峰。在這樣的年代和地區，這張專輯自然也是LSD的代表作，甚至專輯中的民謠小品D.C.B.A.-25，歌名本身就暗指著LSD-25。





Smashing Pumpkins – Siamese Dream
發行年份：1993
Grunge年代的重要樂團Smashing Pumpkins，發行這張專輯後使得自己和其他Grunge樂團的punk rock結構分開，往Art-rock的形式跨進一步。在錄製這張專輯的期間，傳奇鼓手Jimmy Chamberlin身陷藥癮和酒精，Bass手D'Arcy和吉他手James Iha的分手，使得主唱Billy Corgan在極端憂鬱沮喪的狀態下幾乎一人獨立完成所有樂器的演奏部分，這成為他個人的代表作品，也讓Smashing Pumpkins站上高峰。



Jimi Hendrix – Are you experienced?
發行年份：1967
談LSD就不能不提拿自己的靈魂跟惡魔交換神乎其技吉他演奏技巧的Jimi Hendrix，短短的幾年演奏生命，他便完成了沒有人能攀上的高峰，要說他哪張作品跟LSD無關實在找不出來，這張專輯發行的時候他站上世界的頂端，1970年這位巨星便接受惡魔招喚，與世長辭。





Teardrop Explodes – Wilder
發行年份：1981
有這位堪稱Liverpool後迷幻搖滾圈裡最古怪、最惡名昭彰的毒蟲兼作家、歷史學家、漫畫家主唱Julian Cope，讓Teardrop Explodes成為70年代末期後迷幻和流行電子最具影響力的樂團。這張專輯也成為Julian Cope在Teardrop Explodes時期的代表專輯。






V.A. – Deep Trance And Ritual Beat
發行年份：1996
Return to the source是英國Brixton 90年代在Goa-trance發展初期重要的Club，Goa-trance的發展跟LSD有著深厚的關係，也因此由Return to the source發行的這張合輯成為LSD音樂歷史的重要專輯。

藥物 v.s. 音樂（二）海洛因

海洛因( Heroin )別名Smack，用後對身體會造成強烈的衝擊，有強烈的生理高潮、愉悦、幸福感，所以常跟性連結在一起，極易上癮極難戒斷，讓這這些明星行為表現惡名昭彰，整個流行音樂史幾乎跟海洛因牽扯不清，爵士大師、搖滾巨星、吉他手…，都拜倒在他手下，像是惡魔的契約般，海洛因幾乎篤定成為殺手榜上的老魔王。

海洛因( Heroin )專輯：

Velvet Underground & Nico - Velvet Underground & Nico
發行年份：1967
封面這支大香蕉已經成為整個60年代迷幻搖滾的象徵，裡面更有一首”Heroin”直接就講出使用海洛因的感受，”Heroin, its my wife and its my life”，要說海洛因專輯，這張絕對是經點中的經典。







Rolling Stones – Exile on Main Street
發行年份：1972
無疑的這是Rolling Stones最好的專輯之一，Mick Jagger和Keith Richard的合作，在這張專輯到達了頂點，完全渾然天成的的演奏，漂亮不可思議的吉他riff，Mick Jagger的歌聲更像融化進音軌一樣，不只rolling stone，整個Hard Rock的歷史都很難有人超越這張專輯的成就。吉他手Keith Richard在這張專輯後，藥癮的問題開始不能控制，之後的專輯每況愈下，Keith 在1977年也因為持有海洛因在加拿大被捕。



Spacemen 3 – Playing with Fire
發行年份：1989
60、70年代之後，便很難聽到真正的迷幻搖滾出現在主流市場，Spacemen 3在indie rock裡算是完全符合迷幻搖滾規格的吉他樂團，也是所謂的後迷幻和Space rock的代表樂團，在這張專輯後團員Baines和Resco離團，兩個核心人物Sonic Boom和Jason Pierce因為前者的藥物問題而不斷衝突，錄製完下一張專輯後樂團便解散，後者另組Spiritualized。




Charlie Parker – The dial master
發行年份：1946
Parker的一生，從青少年時期開始便無法跟海洛因脫離關係，儘管很多人將其出神入化的演奏跟藥物使用畫上等號，但他在後期因此漸歇性地失去自我，更被取消在紐約pub演出的執照，僅僅三十四歲便在醫院數度自殺後身體機能衰竭過世。這張專輯收錄了他所有精華時期的作品。





John Coltrane – Blue Train
發行年份：1957
從50年代開始，Coltrane 幾乎就是在跟海洛因搏鬥，幾個爵士樂團參加後不斷地因為藥癮問題而被解雇，來來去去，在1957年數度被Miles Davis 因藥癮解雇後，Coltrane終於痛下決心戒除藥癮，這張專輯也成為他海洛因時期的代表作，之後Coltrane的事業開啟另一番生命，一直到1967年死於肝癌。





Miles Davis – Kind of blue
發行年份：1959
這幾個酷派爵士的大師幾乎都跟海洛因牽連極深，50年初期Davis染上海洛因，1955年左右戒除後，對於其他樂手的毒癮問題常常表現其重視。1959年這張專輯集結的樂手皆為一時之選，也成為Davis開啟Modern Jazz的里程碑。






Bill Evans – Everybody digs Bill Evans
發行年份：1958
Bill Evans短暫離開Davis的樂隊後錄製的第二張個人專輯，隨後又參與Davis的Kind of blue。Bill Evans這段時間跟其他樂手一樣應是使用海洛因，儘管他在51歲的死亡是跟古柯鹼比較有關係。







Tim Buckley – happy sad
發行年份：1969
Tim Buckley因為使用海洛因過量而死於1975年，這位迷幻搖滾年代才華洋溢的歌手，在這張專輯跨過Rock/ Folk的領域，開始他Jazz的實驗創作，而這張專輯也被標示為60年代末期最重要的專輯之一。






Ray Charles – What’d I say
發行年份：1959
有看過電影”雷之心靈傳奇”的觀眾應該知道這位盲眼歌手在成名後，一度陷於藥癮無法自拔，也曾經被捕，這張現場演奏專輯錄製於他早期演唱事業和毒癮的高峰期。戒毒後Ray Charles順利活到2004年死於肝癌，留下無數動人的故事和作品。






Nirvana – Nevermind
發行年份：1991
Kurt Cobain 幾乎就是90年代後海洛因的代表人物，副作用讓他失去自我、自信崩潰，舉槍自殺，短短幾年的創作生命，91年第二張專輯Nevermind成為傳世經典，他的故事和音樂同樣影響整個世代。






Spiritualized – Ladies and Gentlemen we are floating in space
發行年份：1997
由Spacemen 3的Jason Pierce另組的Spiritualized仍然脫不了被貼上海洛因的標籤，這張專輯絕對是近年後迷幻的重要專輯，一種失心、失重的狀態，加上多首跟唱詩班合作的歌曲，更是讓這張專輯成為經典之作。